Рубрикатор
- Концепция
- Предпосылки к трансформации: от объекта к субъекту
- Ана Мендьета
- Кароли Шниман
- Элис Нил
- Сара Лукас
- Заключение
- Библиография
- Источники
Концепция
Ана Мендьета, «Без названия», из серии «Силуэт», 1976
Во второй половине XX века тело становится центральной частью искусства. После Второй Мировой войны художники всё чаще стали переосмыслять через тело травмы и личный опыт. Особую роль в этом сыграли женщины-художницы, которые начали переосмыслить традиционное изображение женского тела в искусстве, отказываясь от классического мужского взгляда на женщину как на натуру. В искусстве второй половины XX века тело становится объектом политического высказывания.
На развитие темы телесности в искусстве оказала влияние постмодернистская критикаа и феминисткая история. Используя перформансы, фотографии, body art и другие формы художницы обращались к темам уязвимости, боли, материнства, сексуальности и социальной репрезентации женщин. Они отказывались от идеализированного представления женского тела показывая его живым и настоящим.
Цель работы — исследовать трансформацию телесности в работах женщин-художниц второй половины XX века и показать изменение представления о женском теле в искусстве.
Предпосылки трансформации: из объекта в субъект
Ана Мендьета «Древо жизни», 1976 г. Фрагмент
Значительное влияние на изменение языка повествования в искусстве оказало феминистское движение 1960–1970-х годов В этот период времени активно рассматривалось социальное положение женщин в культуре, а также критиковалась традиционная художественная система, в которой женщина чаще выступала объектом изображения, чем самостоятельным субъектом высказывания. Художницы и теоретики феминистского искусства обращали внимание на проблему объективации женского тела, неравенство в художественной среде и отсутствие женщин в истории искусства. Под влиянием их критики тело начинает восприниматься не только как эстетический объект, но и как пространство личного, социального и политического опыта.
Марион Калтер «Линда Нохлин в Париже», 1978 г.
Особую роль в развитии феминистской художественной критики заняла Линдси Нохлин со своим эссе «Почему не было великих художниц». Эссе отвечало на вопрос, почему среди знаменитых художников так мало женщин, а также развеивает миф о «гениях-самородках».
Что если бы Пикассо родился девочкой? Стал бы сеньор Руис обращать на маленькую Паблиту столько внимания или вселять в нее такую жажду творческого успеха?
В 1980-е годы деятельность Guerrilla Girls сделала проблему гендерного неравенства в художественной среде особенно заметной. Художницы группы обращали внимание на то, что женское тело широко представлено в музеях как объект изображения, однако сами женщины-художницы практически исключены из институционального художественного пространства. Их плакаты и акции стали важной частью феминистской критики репрезентации женского тела и положения женщин в искусстве.
Guerrilla Girls «Do Women Have To Be Naked To Get Into the Met. Museum?», 1989 г.
Таким образом, обращение художниц к теме телесности стало результатом как социальных изменений, так и изменения художественного мышления конца XX века. Используя перформанс, фотографию, скульптуру и инсталляцию, художницы переосмысляют традиционный образ женского тела и ищут новые способы его репрезентации в искусстве.
Ана Мендьета «Без названия» 1977 г.
Отдельное место в истории перформативного искусства занимает Ана Мария Мендьета (1948 — 1985).
1. Ана Мендьета «Ручей » 1974 г. 2. Ана Мендьета «Древо жизни», 1976 г.
Мендьета получила художественное образование и начинала с живописи, однако вскоре нашла себя в лэнд-арте. Изначально она обращалась к гендерной проблематике, изображая в своих работах жестокость и тем самым вызывая у зрителя чувство дискомфорта. Мендьета активно использовала кровь, перья и природные материалы для создания произведений, в которых исследовала собственные корни и идентичность. Также художница уделяла большое внимание связи человека с землёй и поиску материнского начала.
Ана Мендьета, Без названия, 1972
Ана Мендьета «Без названия» 1980 г.
Ана Мендьета «Без названия» 1981
Её творчество связано с исследованием телесности, памяти, идентичности и связи человека с природой. Большое влияние на художественный метод Мендьеты оказал личный опыт эмиграции: в детстве она была вынуждена покинуть Кубу и переехать в США. Чувство утраты, разрыва с родиной и поиска собственной идентичности стало одной из центральных тем её искусства. В отличие от многих других художниц, Мендьета редко использовала тело как объект демонстрации; напротив, в её работах тело часто исчезает, превращаясь в след или отпечаток присутствия.
Ана Мендьета «Сердце рока с кровью» 1975 г.
Кароли Шниман, «Eye Body», 1963 г. Фрагмент
Кароли Шниман является одной из ключевых фигур перформативного искусства 1960–1970-х годов. Она радикально изменила статус женского тела в искусстве от натуры и объекта изображения к художественному инструменту.
1. Кароли Шниман, «JT and Three Kitchs», 1957 2. Кароли Шниман, «Winter’s Fuel I», 1956
Шниман начала свою художественную карьеру как живописец в конце 1950-х годов. В своих работах она использовала коробчатые конструкции в сочетании с экспрессионистской манерой письма. Описывая атмосферу в художественном сообществе того времени, Шниман отмечала женоненавистнические настроения и говорила, что женщины-художницы того времени не осознавали ценность своего тела.
Eye Body — это первое боди-перформансное выступление Шниман. Художница хотела провести серию физических трансформаций» своего тела в своих «конструкциях и на стенах», чтобы превратить свое тело в «визуальную территорию, исследуя образные ценности плоти как материала».
Кароли Шниман, «Eye Body», 1963 г.
Серия была создана исландским художником Эрро и стала первым случаем, когда Шнееман включила своё физическое тело в структуру работы, тем самым стирая границы между создателем образа и самим образом. Отсюда и название — Eye Body: границы между тем, кого видят, и тем, кто видит, стираются.
В этой работе тело перестает быть просто объектом и становится одновременно действием и изображением. Тело Шнееман краской, жиром, пластиковыми элементами, фольгой и другими материалами, а вокруг расположены зеркальные и пространственные объекты.
Кароли Шниман, «Eye Body», 1963 г.
Кароли Шниман, «Meat Joy», 1964 г. Эскизы
Элис Нил «Этель Эштон», 1930 г. Фрагмент
Элис Нил, фото Сэма Броуди, 1944 г.
Элис Нил (1900-1984) была одной из ярких фигур в среде портретистов XX века с самобытным стилем и подходом к искусству.
Формирование Элис как художницы происходило в 30-е годы XX века, когда ею были созданы множество портретов левой интеллигенции. Её доминирующим стилем был реализм, в то время как мир искусства был полон минимализма и поп-арта. Широкая известность приходит к ней в середине 70-х годов, когда она появилась в журнале Time c портретом писательницы Кейт Милетт, что привело к колоссальному успеху художницы.
Элис Нил «Кейт Миллет», 1970 г.
1. Элис Нил «Нэнси», 1980 г. 2. Элис Нил «Беременная», 1971 г.
В своем творчестве Элис Нил выступает как поборник справедливости, боровшийся против социальной несправедливости и гендерного неравенства.
Элис Нил «Этель Эштон», 1930 г.
1. Элис Нил «Мать и ребенок», 1962 г. 2. Элис Нил, «Без названия»
Элис не боялась рисовать людей такими, какие они есть. В ее работах уделяется внимание теме женственности и женского тела, которое изображается без прикрас в различных состояниях: кормящие матери, женщины после родов, беременные. Художница также пишет автопортрет в обнаженном виде в преклонном возрасте, тем самым говоря зрителю, что тело прекрасно в любом возрасте и состоянии.
Элис Нил с автопортретом
Элис Нил «Пегги», 1949 г.
Сара Лукас, «Cigarette Tits (Idealized Smokers Chest II)», 1999 г. Фрагмент
Одним из наиболее ярких примеров женской субъективности в искусстве является творчество британской художницы Сары Лукас (род.1960), состоящий в YBA (Young British Artists).
Сара Лукас «Автопортрет с яичницей», 1996 г.
Работы Сары Лукас посвящены темам открытости и интимности в отношении женского тела, гендера, смерти и разрушения. Её искусство не теряет актуальности, поскольку оно обращено к провокационным социальным темам
Лукас не просто создает инсталляции из подручных материалов, так как она выбирает материалы и формы которые могли бы отразить ее основные интересы. Часто ее скульптуры и работы состоят из старой мебели, набитых и закрученных колготок, консервных банок, фруктов и овощей, таким образом продолжая традицию реди-мейда — создание концептуальных произведений из нехудожественных вещей.
Сара Лукас, «Cigarette Tits (Idealized Smokers Chest II)», 1999 г.
Сара Лукас «Au Naturel», 1994
Au Naturel — одна из самых известных инсталляций Сары Лукас. Это провокационная работа в игривой форме затрагивает физические аспекты человеческого существования, а также размышляет о динамике созависимых отношений и уязвимости. В работе нет при украшенного изображения любви — просто два «тела».
Помимо яиц, мебели и сигарет, еще одним повторяющимся элементом в работах Лукас являются чулки. Они набиты хлопком и другими материалами для набивки и образуют ноги, части тела и женскую грудь.
Сара Лукас «Bunny Series», 1997 г.
Эти игривые, но сбивающие с толку скульптуры разрушают представления о миловидности и невинности, критикуя гендерные стереотипы и объективацию женщин.
Заключение
Художницы второй половины XX века отказались от традиционного изображения женского тела как исключительно объекта созерцания. В работах Кароли Шнееман, Аны Мендьеты, Сары Лукас и других телесность приобретает новые значения и становится способом выражения памяти, травмы, идентичности, уязвимости и сопротивления социальным нормам. Художницы используют собственное тело как художественный материал, исследуют темы насилия, гендера и объективации, а также разрушают традиционные представления о женственности и красоте.
Особое значения в трансформации телесноси в искусстве имело развитие перформанса и body art, а также активная постмодернистская критика. Благодаря этому тело стало восприниматься не только как объект изображения, но и как политическое и социальное пространство, связанное с вопросами власти, идентичности и репрезентации. Влияние этих художественных практик сохраняется и в современном искусстве, где тема тела продолжает оставаться важным способом исследования личной и социальной идентичности.
Источники
Дядык, Н. Г. Женская субъективность и феминистские практикив визуальном искусстве второй половины XX века / Н. Г. Дядык Социум и власть. — 2024. No 2 (100). — С. 62-75.
Нохлин, Линда. Почему не было великих художниц? / Линда Нохлин; [перевод с английского Анны Матвеевой]; предисловие Кэтрин Грант. — Москва: Ад Маргинем Пресс, 2024. — 95 с.
Игумнова Е. В. Художники Young British Artists и опыт инсталляции // Искусство Евразии. — 2018. — № 2(9). — С. 113-123. DOI: 10.25712/ASTU.2518-7767.2018.02.010. [Электронный ресурс] URL: https://readymag.com/u50070366/1070646/23/
