Цветы — неотъемлемая часть нашего мира. Испокон веков они украшали нашу жизнь, лечили нас, а в произведениях можно заметить порой даже сказочные мотивы. В одном маленьком цветке можно разглядеть нежность, хрупкость, легкость, а иногда даже грусть и опасность.
В своем исследовании я хочу раскрыть образ разных цветов в картинах художников ХХ века. Как он изменялся и как один цветок мог раскрываться с разных сторон. И как количество цветов изменяет смысл картины. За совсем небольшой срок, мы сможем рассмотреть с самых разных сторон.
Не каждый способен разглядеть всю красоту и нежность, которые цветы привносят в картину. Не каждый может понять смысл, который они в себе несут, но я очень надеюсь, что это небольшое исследование, поможет пробудить легкие и прекрасные чувства к картинам, на которых изображены цветы.
Рубрикатор исследования
- Выбранные виды для исследования
- Сердце сада
- Солнечный цветок
- Душа весны
- Подведение итогов
Великая тройка
В современном мире в цветочных магазинах мы видим самые различные и необычные цветы, их разнообразие не может не удивлять, а весной бабушки продают чудесные букеты ландышей и нарциссов.
Но раньше художники отдавали предпочтения определенным видам цветов, которые чаще всего мы видим на картинах. Они имеют разные посылы и значения.
В своем исследование я разберу 3 вида цветов, которые чаще всего встречаются нам на картинах: роза, подсолнух и сирень
Сердце сада
Роза один из самых прекрасных цветов. Ее изюминка заключается не только в невероятном соцветии, которое может быть самых разных цветов, но и в острых шипах на стебле, которые могут сильно навредить.
Она не теряет своей актуальности до сих пор. Букет из кроваво-красных роз считается не стареющей классикой, а если девушке не нравятся красные, то как альтернативу часто дарят белые или желтые.
Со временем роза приобретала все больше новых значений и смыслов, которые художники непременно отображали в своих картинах.
1. «Психея, открывающая дверь в сад Амура» Джон Уильям Уотерхаус 1903 2. «Душа розы» Джон Уильям Уотерхаус 1908
Роза на языке цветов — главный символ любви, страсти, порыва, ярких и пылких чувств, но в тоже время символ опасности и жестокости
Роза — один из самых нагруженных смыслами символов в XX веке. Этот мотив пережил глубокую трансформацию: от любви и красоты — к знаку женской хрупкости и абстрактной чистой формы.
Гигантская алая роза с каплей росы парит над пустынным пейзажем, а под ней — две совсем маленькие фигуры. Это одна из поздних работа Дали, нетипично «реалистичная» для сюрреалиста.
В своих картинах Дали часто вкладывал в розу символ романтического желания. Стоит обратить внимание, что соцветие здесь находится в самом центре картины. Художник строит картину вокруг этого образа. А контраст пышного цветка и безжизненной пустыни, говорит нам о бренности красоты и страсти.
1. «Белая роза» Джорджия О’Кифф 1927 2. «Медитативная роза» Сальвадор Дали 1958
Еще одна картина, которую я бы хотела рассмотреть «Белая роза». Очень неоднозначна и в свое время вызвала сильный резонанс. Джорджия О’Кифф известна своими масштабными картинами с крупным планом цветов. Она написала около 200 картин с изображением различных соцветий, в том числе и роз. К середине 1920-х годов О’Кифф начала писать крупномасштабные картины с близкого расстояния, применяя освоенные ею техники модернистской фотографии.
Многие люди видели в картинах эротический подтекст, а кто-то даже считал, что цветы являются женскими гениталиями.Другие видят в них знак женского самоутверждения, поскольку О’Кифф — одна из первых заметных женщин-художниц, которая вводила чувственную и феминистскую образность. При этом сама художница опровергала данные слова, комментируя замысел так: «Никто на самом деле не видит цветок — он так мал, у нас нет времени… Я сказала себе: я нарисую то, что вижу — то, чем цветок является для меня, но я нарисую его большим, и они будут вынуждены потратить время, чтобы посмотреть на него». Ее окончательный ответ критикам звучал так: «Я заставила вас потратить время, чтобы посмотреть на то, что я увидела, а когда вы потратили время, чтобы заметить мои цветы, вы повесили все ваши собственные ассоциации с цветами на мой цветок»
По сути картина стала своеобразным протестом. Где автор не вкладывает никакого подтекста в свою картину и изображает просто цветок.
1.«Розы на фоне моря» Константин Алексеевич Коровин 1930-е годы 2. «Розы и яблоки» Константин Алексеевич Коровин 1917
Одна из интереснейших картин, имеющих несколько отсылок: «Гробница борцов»
Огромная красная роза, заполняющая собой целую комнату — от пола до потолка, от стены до стены. И самое странное: название отсылает к роману Леона Кладеля «Омпдрайль, гробница борцов» о неразделённой любви и самоубийстве через удар кинжалом в сердце.
Здесь роза не является розой, потому что Магритт назвал картину «Гробница борцов» — это тот же ход, что и в его знаменитом «Это не трубка». Магритт писал, что около двух месяцев «искал решение того, что я называю „проблемой розы“». Он не просто меняет значение знака — он заставляет сам знак отказаться от себя. Роза становится головоломкой о несовпадении означающего и означаемого, о том, что в подсознании зрителя живёт не «роза», а целое поле невидимых ассоциаций (любовь, кинжал, смерть, гробница), которые активирует только название. Это роза как лингвистическая ловушка, а не как цветок.
1. «Гробница борцов» Рене Магритт 1960 2.«Удар в сердце» Рене Магритт 1952
К той же магриттовской «проблеме розы» относится и эта работа: одиночная роза, у стебля которой растёт стальной кинжал — органически, как ещё один шип. Магритт здесь исследует то, что он считал внутренним парадоксом, заключённым в розе.
Нестандартность очевидна: роза тут не просто несёт двойственность «красота — боль» (это банальная викторианская идея «удовольствие, смешанное с болью»). Магритт делает иначе: он показывает, что сама природа розы агрессивна. Шип не дополняет цветок — он перерастает в оружие. Это уже не аллегория, а почти биологический манифест: красота не противоположна жестокости, она выделяет её, как растение выделяет смолу.
В символическом плане роза перестаёт быть пассивным объектом любви и становится действующим лицом, способным ранить.
1. «Rosa e morte floriscens» Сальвадор Дали 1972 2."Последняя улыбка умирающей розы» Ховсеп Пушман 1920
Чтобы лучше проникнуться красотой картин, нельзя оставлять без внимания картины, в которых символ розы имеет нестандартную трактовку.
Одной из необычных произведений стала картина «Последняя улыбка умирающей розы» Ховсепа Пушмана. Мы привыкли, что цветок является символом новой жизни, новых начинаний или же красоты, которая только начинает раскрываться. На этой же картине роза безжизненная и увядающая. Она становится символом быстротечности времени и неизбежности утраты.
В работе «Сюрреалистические цветы» / «Rosa e morte floriscens» (1972) само название переводится как «цветущая смертью», а роза вырастает из выдвижного ящика, напоминающего гроб. Исследователи отмечают, что красный цвет розы у Дали несёт значение страсти, но связан и с ассоциациями смерти. Сам художник, по словам биографов, всю жизнь был одержим темой смерти, и роза вошла в его личный «словарь» наряду с тающими часами и муравьями. В картине Дали так же рассуждает о загробной жизни, что станет с его мыслями после смерти? Расцветут ли они, как роза?
1. «Череп коровы с ситцевыми розами» Джорджия О’Кифф 1931 2. «Натюрморт с черепом» Андре Дерен 1912
Подводя итоги, как же трактовался символ розы в ХХ веке уже можно сделать вывод, что он очень многогранный.
Конечно же, основный посыл это любовь страсть и влечение. Любовь может быть чуткая и искренняя, а может быть и похотная.
Но не стоит забывать, что роза также может быть и символом смерти и скорого ухода, мыслями или просто цветком
Солнечный цветок
1. «Подсолнухи» Игорь Эммануилович Грабарь 1937 2. «Подсолнухи» Борис Дмитриевич Григорьев ХХ век
Подсолнух на языке цветов — самый яркий символ солнца, жизнерадости, иногда плодородия, жизненную силу и энергию
Подсолнух — один из самых нагруженных символов в живописи XX века. Канон задал Ван Гог в 1888–1889 годах, именно после него подсолнух превратился в универсальную метафору, и каждый крупный художник нового столетия вынужден был выстраивать с ним свои отношения.
1. «Подсолнухи» Эгон Шиле 1911 2. «Подсолнух I» Эгон шиле 1908
Это, пожалуй, самое радикальное переосмысление мотива. Картина «Подсолнухи» отсылает к работам Ван Гога, но придаёт сюжету ощущение упадка и смертности — около метра высотой, она изображает поникшие подсолнухи на фоне пейзажа, над которым висит закрытое облаками солнце.
В отличие от солнца, подсолнух смертен, и для Шиле он был символом неизбежного увядания: цветущий в последние тёплые дни между летом и осенью, подсолнух распускается, чтобы умереть и оставить миру свои семена.
Символика цветка здесь — это хрупкость жизни, отчуждение, упадок «старого мира», это особенно остро читается на фоне распада Австро-Венгрии
1. «Sans Pierre» Джоан Митчелл 1969 2. «Sunflower III» Джоан Митчелл 1969
Подсолнух после Ван Гога превратился в один из самых символически перегруженных мотивов. Любой подсолнух XX века так или иначе цитирует Ван Гога, и критики почти автоматически считывают его как знак. Поэтому случаев «чистой» десимволизации почти нет. Зато мы можем рассмотреть самые необычные варианты трактовки
Например, для Джоан Митчелл подсолнухи были почти как люди. «Если я вижу поникший подсолнух, я могу поникнуть вместе с ним — и я рисую его, и чувствую его до самой смерти». И позже: «Подсолнухи — это то, что я чувствую очень сильно. Они так прекрасны, когда молодые, и так пронзительны, когда умирают»
Здесь подсолнухи это неудержимый поток энергии, неподвластной человеку, яркость, а самое главное, в них чувствуется жизнь.
«Подсолнухи» Джоан Митчелл 1990
С подсолнухами можно найти и достаточно жуткие и, отнюдь не жизнерадостные картины. Например, картина «Für Robert Fludd».
Она принадлежит серии, в которой автор сопоставляет окаменевшие формы тёмных подсолнухов с фигурой обнажённого мужчины. Хотя фигура чем-то напоминает самого художника, обычно её отождествляют с Робертом Фладдом (1574–1637) — английским философом и оккультистом, считавшим, что у каждого растения на земле есть свой эквивалент-звезда на небосводе, и что между микрокосмом земли и макрокосмом небес есть связь.
Кифер переворачивает иконографию: подсолнух здесь не цветок, а космологическая схема. Чёрный, мёртвый, прорастающий из лежащего тела. Полная инверсия ван-гоговского витализма.
1. «Für Robert Fludd Ансельм» Кифер 1996 2. «Le Tournesol» Эдвард Стейхен 1920
Le Tournesol, написанный между 1920 и 1922 и подаренный другу, — единственный сохранившийся законченный холст этого периода. Но его достаточно, чтобы уловить посыл художника.
Геометрические формы, плоские области цвета — стилизованный подсолнух в вазе на фоне ярких полос; зелёный овал нижней половины напоминает вазу с широким горлом. Композиция построена по золотому сечению, и это работа в духе американского прецизионизма — стиля, который называют «машинным модернизмом» 1920-х.
Здесь подсолнух как чертёж, схема, диаграмма. Не цветок, не букет, не аллегория — а конструкция.
Душа весны
для лучшего понимания, сразу стоит обозначить какое значение сирень имеет на языке цветов.
В европейской и особенно русской культуре несёт устойчивый набор значений: первая любовь, юность, весна, тоска по утраченному, мемориальная нежность (после поэмы Уолта Уитмена «Когда во дворе перед домом цвела сирень» и траур по умершему.
В XX веке этот символ продолжает работать, но появляются и совсем иные смыслы — от мистического до апокалиптического.
Сирень на языке цветов — целая история, рассказанная без слов. Сирень — самый многозначный цветок, который может означать, как первую любовь, так и родной дом и ностальгию
1.«Натюрморт с сиренью в вазе» Крылов Порфирий Никитич 1950 2. «Утро. Сирень» Дмитрий Налбандян 1986
Пара обнимается, погружённая в гигантский букет сирени, который заполняет почти весь холст. Картина написана в парижский период, когда Шагал бежал из советской России и наслаждался относительным благополучием.
Это идеальная классическая работа символа: влюблённые расположились в огромном букете душистых цветов, и эта романтическая композиция доминирует в картине, обеспечивая влюблённым безопасное убежище от работы и тревог.
Здесь срабатывают сразу несколько традиционных значений сирени: первая любовь (по викторианскому языку цветов фиолетовая сирень означает именно первое чувство), юность и невинность, защитная и оберегающая природа любви. Букет служит «домом» для пары — буквально воплощая мифологическую функцию сирени как укрытия (нимфа Сиринга превратилась в куст сирени, спасаясь от Пана). Никаких подрывов символа: это сирень в её самом нежном проявлении.
1. «Влюбленные в сирени» Марк Захарович Шагал 1930 2. «Сирень» Михаил Врубель 1900
Из густого куста сирени в сумерках проступает фигура девушки — почти полностью скрытая цветами, словно сотканная из лунного света. Врубель писал сами цветы мастихином, а женскую фигуру — кистью, так что цветочная масса плотнее, чем призрачная нимфа.
Нестандартность здесь не в декорациях, а в логике символа. Сирень у Врубеля перестаёт быть атрибутом любви или весны и становится формой бытия. Польская исследовательница пишет, что у Врубеля «„портреты“ сирени — Сиреневый куст (1900) и Сирень (1900 и 1901) — магические, многозначные и потрясающие своей завораживающей переливающейся палитрой и атмосферой тайны. Врубель придаёт своим картинам глубокий философский смысл, играя с амбивалентностью своего сюжета. Этот сюжет — превращение Хаоса в Космос».
Сама фигура девушки — это нимфа Сиринга, вытканная из сумеречного света и спрятанная в густых цветов. Сирень становится порогом между мирами, через которую существо иной реальности проникает в наш. Это не любовь, не память и не весна.
«Сирень в корзине („героическая“)» Петр Кончаловский 1933
На холсте — пышный букет сирени нескольких сортов в простой плетёной корзине из прутьев. Иконография — самая стандартная. И при этом в названии — «героическая».
Подзаголовок звучит абсурдно. Это 1933 год: на дворе расцвет соцреализма, на Первом съезде советских писателей через год будет провозглашён «революционный романтизм», и «героическое» — это, по идее, рабочий, красноармеец, ударник труда, а не букет цветов. А Кончаловский, который только что переехал из Москвы в калужскую усадьбу, в самый разгар репрессий продолжал писать сирень, собственных внуков, цветущие деревья и натюрморты.
В этом контексте слово «героическая» в названии сиреневого букета — это акт тихой иронии, почти контрабанда смысла. Сирень становится антипафосным героем эпохи, тем, что выживает рядом с террором, не участвуя в нём. Цветок здесь не выражает чувств — он выражает позицию: невозможность быть «героическим» в советском смысле. В контексте недавней выставки Русского музея критики подчёркивают, что искусство Кончаловского «синтетично по сути» и «сложно» — за внешней декоративностью скрывается отказ от соучастия. И это очень странное значение для цветка, который в викторианском языке означал первую влюблённость.
«Апокалипсис в сирени. Каприччио» Марк Шагал 1945
Та же сирень, тот же Шагал — но через пятнадцать лет после «Влюблённых». На картине распятый Иисус кричит на нацистского солдата, в то время как на заднем плане можно увидеть другие акты насилия, в то время как перевёрнутые часы падают с неба. Работа была создана Шагалом в ответ на разрушения, принесённые Холокостом.
Жуткость здесь — на уровне самого названия. Слово «сирень» в заголовке картины о Холокосте работает как семантическая травма. Сирень — это запах детства, первая любовь, дворы родного Витебска, оттуда же, откуда Шагал. И именно этот цветок художник помещает в название изображения геноцида своего народа. Слово «каприччио» добавляет ещё один слой бесчеловечной иронии: апокалипсис подан как пастораль, разрушение — как капризное виденье.
Стоит добавить биографический контекст, который усиливает зловещесть: 2 сентября 1944 года Белла (жена художника) внезапно умерла от вирусной инфекции, не получившей лечения из-за дефицита лекарств военного времени. По мере того как в течение 1945 года поступали известия о продолжающемся Холокосте в нацистских концлагерях, Белла заняла своё место в сознании Шагала рядом с миллионами еврейских жертв. То есть тот же художник, который в 1930-м прятал любящую пару в кусте сирени как в безопасном гнезде, теперь использует слово «сирень» для названия картины, где это гнездо разорено окончательно. Сирень — это зона, которая больше не защищает. И именно из-за того, что мы помним классическое значение, апокалипсис становится особенно жутким.
«Лаванда и Старое Кружево» Чарльз Э. Берчфилд 1939–1947
Бёрчфилд писал картину восемь лет. Он несколько раз возвращался к одному и тому же заброшенному викторианскому дому в окрестностях Буффало, каждый раз дорабатывая холст. В 1942-м он стёр большую часть исходного наброска, добавил полоски бумаги по краям, чтобы расширить композицию, включить больше окружающей природы и того настроения, которое он хотел передать. «Наконец-то, — вспоминал он, — картина словно вобрала в себя всё, что я чувствовал по поводу старого заброшенного дома — трагедию упадка прекрасного места, контрастирующую с восхитительной красотой цветущей сирени».
Бёрчфилда современники называли «мистическим, скрытным художником трансцендентных пейзажей, деревьев с телекинетическими нимбами и домов с привидениями, источающих эктоплазматические ауры». У него почти все деревья на поздних работах кажутся одушевлёнными, а небо — закручивающимся в видения.
Сирень здесь именно поэтому жуткая: она не утешает мёртвый дом, а усиливает его мёртвость. Это «цветущий труп» — образ, который в XX веке станет общим местом готики. Гул сирени в сумерках, заброшенный дом, никого внутри, и от вибрации цветов как будто исходит звук, который слышен только в висках. По сути, картина — это место, которое нужно покинуть до темноты.
Подведение итогов
Подводя итоги мы можем судить об огромном разнообразии смыслов, которые прячутся в чудесных соцветиях.
Проанализировав три вида цветов можно сделать следующие выводы: 1.самая частая трактовка тесно связано со значением цветка на языке цветов. 2. Стоит учитывать исторический контекст ХХ века, когда художники отказываются от символизма, поэтому присутствует множество картин, на которых автор хотел, просто показать красоту цветка. 3. Искажение привычного нам символа, для более жутких мотивов.
Над чем можно работать в дальнейшем
Тема цветов очень обширна и потребуются несколько веков, чтобы изучить ее от и до.
Но в последующих исследованиях мне бы хотелось подробнее разобрать символизм полевых цветов, в особенности василька.
Или разобрать как в картинах трактуются разные сочетания соцветий. Как художник разговаривает с людьми без слов, а просто располагая цветы на картинах.
