Психология цвета и формы в живописи XX века

В живописи XX века цвет и форма являются основными составляющими визуального языка данной эпохи. Цель передать реалистичность объекта уходит, главным становятся чувства и эмоции. Это существенное изменение позволяет использовать картины данного времени как образцы для психологического анализа. Актуальность данного исследования заключается в том, что в психологии искусства есть конкретные методы для анализа цвета и формы в искусстве, с помощью которых можно понять, какие чувства передаёт визуальный язык. Таким образом, существенное изменение задач искусства помогает рассмотреть данный материал с помощью психологии. Данное исследование основывается на работах Арнхейма, Кандинского и Иттена — основоположников психологии визуального восприятия. «Психология искусства — отрасль психологии, направленная на установление наиболее общих закономерностей всех видов художественной деятельности, раскрытие механизмов становления личности человека-творца, анализ различных форм воздействия искусства на человека» [3].

При отборе материала я пользовалась некоторыми принципами: хронологическими — XX век; смысловыми — в работе использован визуальный язык, который с точки зрения психологии искусства связан с чувством или эмоцией; визуальными — возможность сопоставить картины между собой для анализа.

Материалом для данного визуального исследования служат картины 7 художников, которые изображают 7 разных чувств: Фрида Кало — боль, Эдвард Мунк — тревога, Эдвард Хоппер — одиночество, Густав Климт — нежность и любовь, Эгон Шиле — страсть, Василий Кандинский — радость и эйфория, Марк Ротко — спокойствие и тишина.

Гипотеза данного исследования заключается в том, что визуальный язык взаимосвязан с чувствами, которые испытывает зритель от картины. С помощью психологии искусства можно найти и проанализировать данные закономерности. Так можно найти некоторые схожие черты в разных произведениях искусства, несмотря на то, что они передают разные эмоции.

Принципом рубрикации данного визуального исследования служат насыщенность цвета и активность формы произведения. Данный принцип поможет оценить степень экспрессивности художника, так как более активная форма, цвет, резкий характер линий и другие особенности визуального языка ярких эмоций указывают на это. Более статичная форма, размытые границы и пастельные, мягкие цвета указывают на спокойные, тихие чувства, которые передаёт художник.

Исследование состоит из 7 глав, каждая глава — это новое чувство, которое рассмотрено с точки зрения психологии искусства. Главы расположены в порядке изменения визуального языка: от минимальной активности формы и цвета к максимальной. Данный принцип помогает сопоставлять работы между собой, отслеживать различия. Также таким методом образцы будут расположены в порядке нарастания эмоций и экспрессии. Таким образом, анализ произведений по данному методу создаст интересный, логичный визуальный ряд и хорошую основу для анализа изменения визуального языка.

При выборе визуального материала я опиралась на свои чувства. Я смотрела на работу и анализировала, какие чувства я испытываю и какие чувства хотел изобразить художник. Также я выбирала художников, которые используют схожий между собой визуальный язык, то есть выразительно работают с цветом, формой, абстракцией. Эти принципы позволили составить интересный визуальный ряд для сопоставления и анализа.

Также при отборе текстовых источников я опиралась на классические работы по психологии искусства таких авторов, как В. Кандинский, И. Иттен, Р. Арнхейм, Л. Выготский, и на статьи, посвящённые анализу произведений и чувств, которые они вызывают. Ознакомление с данными источниками помогло сформулировать некоторые закономерности в визуальном языке каждого художника.

Как размытые границы форм, уравновешенная композиция и отсутствие линий создают спокойствие? В психологии искусства чувство спокойствия сопровождается визуальным языком, особенностью которого является отсутствие чётких границ и линий — так как линии нарушают порядок. Форма не активна, а пассивна. Цветовая гамма состоит из приглушённых, неярких цветов, которые не рябят в глаза. Также движения нет — всё статично и стабильно.

Данная картина передает чувство спокойствия, поэтому она заставила меня долго в нее вглядываться, в заполненном черном прямоугольнике из-за мазков можно увидеть силуэт. Именно эта фигура притягивает основное внимание. Обычно подобная форма означает стабильность и спокойствие, эта картина не становится исключением, однако здесь немного по другому воспринимается. Темные цвета добавляют мрачности и беспокойства, будто это спокойствие переполнено чувствами.

Схожее мнение у автора научной статьи о живописи Марка Ротко: «Таинственно-мрачная атмосфера, царящая на полотнах, поражает воображение зрителя и вовлекает его в мир пульсирующего цвета и формы. Туманные цветовые плоскости выступают в качестве предвестников трагедии, отчаяния и экстаза одновременно.» [1] Но главный вопрос, которым я задалась: почему и что именно вызывает такие чувства у зрителя?

Разделим картину на две части и посмотрим на нее со стороны психологии искусства. Арнхейм в своей статье о психологии искусства писал: «В центре все силы находятся в состоянии равновесия, и, следовательно, центральное расположение способствует наиболее спокойному состоянию» [2]. В картине Ротко это равновесие создаётся не за счёт центра, а за счёт уравновешенных цветов и форм, создающих композицию, подчеркивающую стабильность и баланс.В данной картине объекты находятся не в центре, однако композиция прямоугольников также вызывает чувство спокойствия, так как здесь тоже есть равновесие, созданное с помощью формы и цвета, и объекты делят картину на две части, создав некий центр. Также данный автор писал о психологии цвета, использованного в этой картине: «Темно-синий цвет погружается в глубокое раздумье о всех вещах, не имеющих конца, тогда как светло-голубой достигает молчаливого спокойствия» [2].

Так, решения автора помогают чувствовать определенную эмоцию, которую хотел передать автор. Однако Ротко не знал психологии искусства, но точно передал чувство с помощью визуального языка в данной работе.

Следующая картина автора отличается от предыдущей цветом. Автор выбирает тёплые, насыщенные оттенки, однако форма и композиция схожи с прошлой работой. «Любая линия, нарисованная на листе бумаги, подобна камню, брошенному в пруд. Всё это — нарушение покоя, мобилизация пространства.» [2] Ротко как раз не использует чёткие границы и линии, что придаёт мягкость и убирает строгость и точность.Поэтому по Арнхейму: здесь также можно увидеть спокойствие, но однако оно другое.Не связано с печалью и не такое глубокое, это тёплое чувство умиротворения, тишины и уюта.

На этой картине использованы два ярких цвета и несколько оттенков, которые имеют небольшие различия от основного цвета. Цвета говорят на этой картине громче всего: «Черный цвет внутренне звучит как Ничто без возможностей, как мертвое Ничто после угасания солнца, как вечное безмолвие без будущности и надежды».[4] По мнению Кандинского, в психологии искусства чёрный — это «заключительная пауза». Также он говорит про угасание солнца, и в данной картине будто это и происходит. Оранжевый цвет будто является закатом и завершением и заключается в моменте спокойствия как некой обречённости без надежды. На данной картине мы можем увидеть визуальные подтверждения смыслов, которые он закладывал в статье о психологии искусства.В работе можно увидеть цвета, которые и правда напоминают закат и композиция произведения обездвижена будто все застыло.

Вывод: все три картины Ротко, рассмотренные в данной главе, передают чувство спокойствия, хотя оттенки этого чувства различны — визуальный язык схож между всеми картинами. Линии отсутствуют, так как, говорил Арнхейм, они нарушают спокойствие; по этой же причине нет чётких границ — они размыты на всех трёх картинах. Цвета подчёркивают различность спокойствия всех трёх картин. Холодный синий указывал на боль и внутреннее отчаяние, красный и оранжевый — на мрачность и траурность (в сочетании с контрастным чёрным цветом).Так, особенность визуального языка в картинах Ротко, передающих чувство спокойствия, — это отсутствие линий и размытые границы, цвета, придающие оттенки чувств к главной эмоции, а также уравновешенная, стабильная композиция.

Как желтый цвет, мягкие-округлые формы передают такое чувство, как нежность? Нежность — это чувство, которое часто вызывает ассоциации с любовью и женщинами. Нежность — это мягкое, светлое чувство, поэтому цвет и форма должны указывать на это. Многие художники отдают предпочтение неярким цветам, круглым и мягким формам, плавным тонким линиям. Никакие резкие формы и линии не должны нарушать спокойствие этого чувства. Климт старался передать эту эмоцию, создав свой визуальный язык.

Климт изображает не абстракцию, в отличие от предыдущего художника. Форма объектов уже не угловатая, а мягкая. Цвета не контрастные, а деталей и линий много, однако они не «нарушают покой» за счёт круглой и мягкой формы. Работа будто женственная за счёт как раз формы. Цвет насыщен, множество оттенков дополняют друг друга, не перебивая.

Иоханнес Иттен писал: «Когда живописцу требуется, чтобы насыщенный жёлтый создавал максимальное впечатление, то вся композиция должна носить светлый характер» [5]. Как раз в данном произведение пара написана желтым цветом, благодаря фону они подсвечиваются, а мягкая форма передает мягкость и спокойствие от чувства нежности. Также он комментировал подобную форму: «В противоположность тяжелому, напряженному чувству движения, которое вызывает квадрат, движение для круга естественно, постоянно и создает чувство отдыха и ослабления напряжения. Круг — символ постоянно подвижной духовности» [5]. Так, анализируя данную картину мы видим светлый, мягкий характер, который наполненный нежностью влюбленных.Автор с помощью цвета создает большое впечатление на зрителя и с помощью формы и композиции передает чувство.

Данная картина написана немного ранее, и автор здесь ещё рисует в реализме. Однако цвет и форма сходны с прошлой работой. Жёлтый также использован для света, так как сама картина тёмная. Влюблённые будто не должны находиться во всей этой мрачности с фоном из страшных силуэтов людей. Жёлтый цвет создаёт контраст.

Возлюбленные никого не замечают — настолько велика их нежность. Они как цветы, будто не должны находиться здесь, ведь их чувства не сходятся с центром мрачности, который отделён жёлтыми рамками, добавляющими расстояния и глубины. Круглая мягкая форма также в этой работе присутствует в изображении девушки и юноши и создаёт чувство отдыха и ослабления напряжения.[5]

В картине использованы те же мягкие формы и цвета, что и в предыдущих. На картине изображена беременная женщина, и в её одежде можно увидеть лица других женщин — такие же мягкие и нежные. Их лица наполнены нежностью, это подчёркивает мягкая, округлая форма, отсутствие резких линий и движений, которые, как писал Арнхейм, нарушают покой [2]. Фон довольно тёмный, а женщина более светлая — это создаёт контраст.

Вывод: Все три картины, передающие чувство нежности, рассмотренные в данной главе, имеют схожий визуальный язык. Его особенностями являются мягкие формы и тёплые цвета. Также иногда используются контрастные цвета, которые помогают выделить светлые оттенки и заострить на них внимание. Все работы носят светлый характер, и Иттен писал, что это создано для максимального впечатления [5]. Круглые формы убирают напряжение и подчёркивают духовность. Округлые формы, контрастность, цветовое решение — это визуальный язык Климта, который во всех картинах указывает на нежность.

Как холодные, мрачные цвета и оттенки и замкнутая композиция создают чувство одиночества на картинах? Одиночество является печальным чувством для многих людей. Нахождение наедине с собой без других людей — напряжённое состояние. Замкнутость человека передаётся на многих картинах с помощью замкнутости композиции — воздуха на картине мало, и это создаёт напряжение. У Хоппера это чувство застывает на картине, движение отсутствует, и зритель остаётся на пике этого чувства. Холодные, тёмные цвета подчёркивают чувство, придавая мрачности и тяжести. Визуальный язык во всех картинах будто подчёркивает обыденность этого чувства.

Произведение Эдварда Хоппера во многом отличается от предыдущих картин, которые рассмотрены в визуальном исследовании. Работа не абстрактна, но при этом и не реалистична. Краска подчёркивает плоскости и общие формы, но уточнений с помощью деталей нет. Используется много зелёного и синего цвета снаружи, а более яркие цвета, такие как жёлтый и красный, уже внутри. На улице никого нет, тишина действия, и жизнь происходит только внутри кафе. Цвет играет здесь важную роль. Кандинский писал: «Абсолютный зелёный цвет является наиболее спокойным из всех… он никуда не движется, ничего не требует, никуда не зовёт» [4]. В данном произведение жтот цвет выполняет ту же функцию, момент болезненного одиночества застывает. Как и писал исследователь психологии искусства, улица снаружи ни к чему не зовёт и в ней нет жизни — только тишина и спокойствие.

Жёлтый внутри здания будто подчёркивает эту тишину, которая вызывает чувство одиночества. Кандинский также писал: «От яркого лимонно-жёлтого глазу через некоторое время больно, как уху от высокого звука трубы. Глаз становится беспокойным, не выдерживает долго вида этого цвета и ищет углубления и покоя в синем или зелёном. При более высоком развитии это элементарное действие переходит в более глубокое впечатление, сильно действующее на душу» [4].Так цвет передает нам чувство одиночества, которое ощущают люди, несмотря на окружающих их людей.

Женщина сидит в кафе. Её глаза, как и окна здания, тёмно-синие. Кандинский писал: «Синий цвет может привести к временному параличу. Действие синего увеличивается при утемнении краски» [4]. Этот цвет погружения и боли заполняет всё вокруг.Вокруг нет ярких цветов и контрастов, всё наполнено тьмой и мрачностью.Кандинский верно подмечает цвет и то, как он влияет, в данной картине ощущается также временный паралич. Деталей тоже нет — всё в общем пятне одиночества, которое наполнено болью. Формы не мягкие и не строгие. Они никакие, будто не хочется обращать на них внимание, всё будто сливается из-за цвета. Кандинский считал, что смешение жёлтого и синего рождает зелёный — «полную неподвижность и покой» [4], — здесь этого покоя нет, поэтому данный цвет можно увидеть лишь на одежде женщины, которая застывает в моменте. В данной картине можно увидеть только застывшая боль из-за полного одиночество.

В данном произведении уже больше света, чем в предыдущих картинах, однако он приглушён, и тени от этого падают на девушку, добавляя её лицу более печальное выражение. На переднем плане намного больше места, на втором плане уже заставлено множество предметов. Будто всё сводится к одному углу, к одному человеку и к одному чувству.Цвет синий и зелёный подчёркивает то же чувство одиночества. Однако ощущается здесь оно по-другому. Мне кажется, это из-за светлых цветов, которые создают контраст. Лицо девушки будто грязное из-за смешения контрастных цветов — она обречена, одиночество давит на неё.Чётких границ и линий нет, поэтому нет и «нарушения покоя». Как у Ротко, переход одного цвета к другому происходит плавно, границы размыты.Однако спокойствие здесь ощущается болезненно из-за болезненного одиночества девушки.

Вывод: Все три работы, передающие чувство одиночества и написанные Хоппером, имеют сходный визуальный язык. Движение отсутствует, всё статично, будто момент замер. Композиция подчёркивает это своей замкнутостью. Синий и зелёный цвет вызывают отторжение и при этом «никуда не зовет» [4]. Светлые цвета на контрасте лишь подчёркивают мрачность и гнетущую атмосферу. Обыденность подчёркивается отсутствием воздуха и визуальными чертами, которые из картины в картину повторяются. Безактивность формы и цвета показывает это чувство.

Как яркие цвета, динамичная композиция и множество различных форм передают радость? Радость на картинах Кандинского звучит — её можно услышать и прочувствовать, даже если мельком взглянуть на картину. Данная эмоция строится на яркой, активной форме и композиции. Множество цветов привлекают внимание своей насыщенностью и расположением. Также многие формы пересекаются друг с другом, создавая как раз взаимодействие и движение.

В данной картине композиция динамична, движение читается из-за расположения фигур. Разнообразие цвета и контрастность увеличивают этот эффект, приковывая внимание. Арнхейм писал: «Вес, образованный цветом, может уравновешиваться весом, созданным месторасположением. Направление формы может быть сбалансировано движением к центру притяжения. Сложность этих отношений способствует оживлению художественного произведения» [2].Все эти приёмы мы можем увидеть в картине. Чувство радости само по себе активно и динамично, поэтому композиция и указывает на это чувство. Тёплые и холодные оттенки в зависимости от величины формы создают контрастность, которая и создаёт задор и приковывает внимание.

Следующая картина Кандинского также передаёт чувство радости. Однако композиция картины более цельная, ярких цветов используется больше. Работа работает как единое целое пятно, передающее восторг из-за сочетания контрастных форм — мягкого круга и строгого квадрата. Деталей (таких как линии и чёрные малые квадраты) меньше. Сила картины заключается в целом пятне, которое с помощью контрастных цветов и единой формы передаёт ощущение и мгновение радости.Иоханнес Иттен писал о контрасте по цвету: «Незатемнённые цвета первого и второго порядка всегда вызывают в нас ощущение первородных космически-светоносных сил и жизнеутверждающей материальности… Пёстрые вышивки, костюмы и керамика свидетельствуют о естественной радости, которую вызывают яркие краски» [5]. В «Жёлтое-красное-синее» мы видим именно это: чистые, незатемнённые цвета (жёлтый, красный, синий) создают ощущение жизненной силы и естественной, почти природной радости.

Вывод: Работы Кандинского, рассмотренные в данной главе, передают положительное и яркое чувство радости. Автор использует яркие цвета и контрасты для этого. Одно большое пятно или множество мелких создают цельную композицию, которая активна. Формы также разнообразны: Кандинский использует их сочетания, иногда противопоставляя или объединяя в единое целое. Так, контрастным визуальным языком, активностью формы и цвета автор передаёт это тепло и счастье от эмоции радости.

Как округлые, волнообразные, размытые линии и мазки, а также контрастные цвета передают тревогу? Чувство тревоги знакомо многим, оно противоположно чувству спокойствия. Это липкое, неприятное состояние окутывает человека вопросами, сомнениями или просто отрицательными мыслями. Для Мунка это чувство далеко от реальности, и волнующиеся линии показывают это, а нечёткие границы показывают размытое состояние, далёкое от реальности. Контрастные цвета спорят и иногда подчёркивают томность и мрачность. Композиции в работах динамичны, однако движение не направляется куда-то — оно остаётся в полотне, постоянно волнуясь на округлых формах. Линии, как писал Арнхейм, часто нарушают покой, здесь они создают как раз чувство тревоги и уносят от умиротворения и нормального состояния [2].

Красный идёт наперекор синему, углубляя и подчёркивая глубину цвета. Цвета смешиваются, иногда создавая «грязь». Кандинский писал: «Так как душа в общем крепко связана с телом, то возможно, что душевное сильное переживание путем ассоциации вызывает другое, ей соответствующее. Например, красный цвет может вызвать душевную вибрацию, подобную той, какую вызывает огонь, так как красный цвет есть в то же время цвет огня.» [4]. Красный привлекает внимание и тревожит, создавая движение в душе зрителя. Синий придаёт остановку момента[4].Ровных линий немного, и они только усиливают волну общих мазков, которые нарисованы на всей картине. Чистого цвета нет — оттенки замешиваются. Автор не пытается сделать их однородными: он старается изобразить своё беспокойство, передавая его линиями, нарушающими порядок [2]. Движение повторяется: будто плавная линия делает волну и возвращается на место, а после зацикливается в новом, волнующемся мгновении.

В следующей картине Мунка визуальный язык схож. Красный цвет передаёт бьющееся чувство тревоги, однако чёрный здесь убивает всякое движение ближе к низу композиции: пейзаж вокруг движется, а люди — нет. Будто чувство тревоги становится внешним и движется само по себе, окутывая людей. Чёрный цвет здесь, по психологии цвета, как мы писали ранее [4], символизирует «заключительную паузу».

Вывод: Работы Мунка символизируют чувство тревоги, выраженное одним визуальным языком. Автор использует волнообразные линии, которые создают движение и чувство тревоги, заставляют его «оживать», будто оно наступает и убывает, зацикливаясь. Контрасты цветов спорят, дополняя при этом друг друга и подчёркивая. Тёплые цвета означают само чувство тревоги, а синий и чёрный останавливают момент чувства. Также композиция замкнута: всё действует в рамках полотна.

Как деформация тела, контрастные цвета и разрывы форм передают чувство боли? Боль многие считают физическим чувством, но это далеко не всегда так. Душевная боль также существует и ощущается иногда хуже физической. Фрида Кало передаёт это чувство, меняя форму, а именно деформируя: например, её тело на картинах часто подвергнуто ранам или другим болезненным изменениям. Контраст цветов подчёркивает форму, привлекая внимание, хотя чаще всего работы светлые. Контраст создаётся с помощью неярких цветов — он не привлекает внимание к картине в целом, а заставляет вглядываться в малые части.

Автор изображает двух себя. Они держатся за руки, а их аорты соединены между собой. Одна девушка в нарядном белом платье, а вторая — в довольно будничной, более тёмной одежде. Они будто противоположны друг другу. Композиция замкнута и не динамична — будто всё останавливается в моменте. Красный цвет становится сердцем картины и органом двух девушек. Его немного, но в деталях он привлекает внимание и заставляет задуматься, почему белое светлое платье запачкано контрастным чёрным. Форма разрывается — так автор нарушает порядок и целостность, как и писал Арнхейм [2]. Красный также, мне кажется, нарушает баланс цвета, становясь контрастом для белого.

Следующая работа также довольно светлая. Однако движение появляется в центре композиции, и картина запечатлевает этот момент. Форма множества предметов также не является цельной: в центре предметы заслоняют друг друга, создавая беспорядок. Красный становится контрастом белому — два пятна передают болезненное чувство боли, которое будто настигает девушку на картине. Подобное нарушение порядка в цвете и форме создаёт момент тихой боли, которую с первого взгляда нельзя увидеть, а только вглядевшись во внутренний мир, то есть в саму работу. Композиция также имеет жизнь только в рамках холста и создаёт ощущение тупика. Однако в этой картине чувство боли активное, а не пассивное, в отличие от предыдущей картины.

Вывод: В картинах, рассмотренных в данной главе, есть общие три приёма. Фрида Кало передаёт чувство боли через деформацию тела и разрывы целых форм, нарушая в целом порядок и гармоничность объектов. Также контраст цветов не играет сам по себе, а противопоставляет некоторые части работ. Красный — цвет боли и внутренних органов, а белый — пустой, чистый, замедляет всё в картине. Кандинский писал о белом цвете: «Белый цвет действует на нашу психику, как великое безмолвие… это Ничто доначальное, до рождения сущее» [4]. В картинах Кало белый — не чистота, а пустота, в которой застыла боль. Также автор использует замкнутую композицию, которая не даёт зрителю воздуха и не пускает движение внутри картины за рамки холста. Так внутренняя, тяжёлая боль, которая не кричит, а тихо причиняет страдания, выражается в работах Фриды Кало.

Как ломаные, угловатые и резкие линии, контрастные и тонально схожие цвета передают страсть? Введение: Страсть чаще всего у людей ассоциируется с красным цветом, однако Шиле не использует в большом количестве этот цвет. Главный инструмент автора — форма и композиция. Автор предпочитает работать пятном и располагать объекты по центру для равновесия. Однако линии нарушают покой и баланс, созданный композицией. Они резкие, чёткие, грубоватые — это придаёт форме значение резких чувств и неспокойствия.

В данной картине Шиле центром композиции становится сплетённая фигура мужчины и женщины. Их силуэты из-за линий кажутся ломаными, а границы тел стираются. Чувство людей настолько сильное, что будто ломает линию и их самих. Как писал Арнхейм, линия — нарушение покоя, и здесь это как раз так [2].Кандинский писал: «Резкая краска в остроконечной форме усиливается в своих свойствах» [4]. Автор в своей картине использует цвета, схожие по тону, и как раз эти цвета усиливаются из-за резких силуэтов людей, несмотря на то что цвета не контрастные.Равновесие теряется на картине из-за формы — она создаёт деформацию, и баланс теряется.

В следующей картине линии также ломаны, однако цветовое решение меняется: появляются контрастные пятна и красный цвет. Кандинский писал: «Красный цвет может вызвать душевную вибрацию, подобную той, какую вызывает огонь» [4]. Автор использует цвет для передачи чувств, цветовое решение здесь играет важную роль. Фигуры снова переплетены и расположены по центру, силуэты тел деформированы, композиция замкнута, воздуха мало.

Вывод: Чувство страсти для автора является резким, ярким, и поэтому ломаные, резкие линии используются для написания людей, которые испытывают это чувство. Тела деформированы из-за линий — это убивает покой и добавляет тревоги и нарастания чувства. Красный используется лишь на второй картине для акцентов. Автор в большинстве случаев использует композицию и линии для выражения чувств — тональные решения часто играют второстепенную роль.

В ходе данного визуального исследования были проанализированы работы семи художников XX века, которые в своих картинах пытались передать определённое чувство. Визуальный язык художников стал главным критерием анализа, потому что он оказался напрямую связан с чувствами, которые мы анализировали. Такие визуальные черты, как линии, цвет, форма, композиция, менялись в зависимости от эмоций.

Спокойствие строилось на отсутствии линий и чётких границ. Нежность — на мягких, круглых формах и тёплых цветах. Одиночество — на закрытой композиции, тёмных и холодных тонах и отсутствии динамики. Радость — на динамичных, ярких цветах и контрастах. Тревога — на неровных, волнующихся линиях, контрасте цветов и отсутствии воздуха. Боль — на деформации форм, контрасте, закрытой композиции. Страсть — на ломаных, резких линиях, деформации форм, нарушении равновесия и центральной композиции.

В ходе исследования было выяснено, что активность формы и цвета возрастает в зависимости от экспрессивности чувства и его эмоционального окраса. С помощью психологии искусства были найдены критерии для оценки и анализа — они помогли выявить эту взаимосвязь. Таким образом, данное визуальное исследование подтверждает гипотезу о том, что визуальный язык взаимосвязан с чувствами зрителя, а методы психологии искусства позволяют эти связи выявить и проанализировать.